Tuesday, October 14, 2014

Sexta Etapa de los Corriente o como un barrio se vuelve mundo

Foto: Facebook del artista

Por Andrés Emilio León Rodríguez | @lectorurbano


Los Corrientes se suben al escenario como habitante de la Alborada que va a la tienda del barrio. Llega, chiflea al man del sonido como si fuera la señora de la tienda y le dice “un poquito de retorno por favor” y se llevan la biela a la boca. Mientras se preparan me acerco, pido un CD y los manes me lo entregan “por debajo” porque lo quieren vender luego del concierto. Obviamente no puedo evitar sentirme el protagonista de “Soy Chiro”, me quedo con las ganas de responder “y eso ñaño”, para ver si por ahí está en el ADN y me lanzan un “no pienses mal brodal, yo no hago esas movidas… solo suceden”. 

Así sucede la música de esta banda, armada un poco en joda y un poco en serio. Dandabass siempre me dice que la creatividad es una línea muy fina entre la genialidad y la estupidez; pienso en parte que los Corrientes se arriesgan mucho en ese sentido y por lo general les va muy bien. Lo que hacen no siempre es perfecto, pero lo siento muy honesto, pegajoso y divertido. Es muy complicado que alguien no se conecte a su propuesta. 

El concierto comienza y me ubico al final del público, junto apoyado a una baranda que separa las canchas de este club de Lomas de Urdesa, para disfrutar del show y ver lo que le pasa a la gente. Sin embargo me río, porque mientras su propuesta me habla de agachaditos y demás, un flaco alto pasa entre la gente vendiendo donuts.

“Huir” arranca muy bien… arriba, fuerte con muchos vientos sólidos. Geraré canta y descubro una voz que no conocía. Pienso “esto es nuevo” y escucho esta fusión disco/ska y espero que en algún rato aparezca Betoman y destruya todo con su prosa, pero ellos se vuelven más musicales y una trompeta se lleva el protagonismo en el solo, relajando las emociones. Me quedo con la frase “para que insistir, si tu autoridad no voy a aceptar, por necesidad de sobrevivir, yo no voy a huir”. Y la banda mata la canción para que luego el silencio también se calle y la gente aplauda en silencio, como sorprendido.



“Extraños seres verdes” suena y me engancho con la melodía rica del acordeón de Doña Pepa. La voz de Geraré me vuelve a sorprender, porque no la esperaba, pero acompaña bien, me cuenta delicadamente como hay más que una verdad. Luego aparece Betoman y destruye todo. Me río, y la gente mueve las cabezas como quien se va contagiando.




“Soy Chiro” presenta a Betoman desde el inicio y los demás cantan los coros que me hacen sonreír y pensar que esta canción es redonda. Por ahí muchas malas palabras –decían algunos-, pero pienso que en parte es honesto, es real. El guayaco habla así, hay mucha violencia en sus diálogos, mucha joda y comida. Escucho Soy Chiro y me encanta como termina. Betoman lanzando epítetos como quien mata mosquitos, nos dice eso que a veces uno piensa pero nunca dice, esas cosas que uno dice entre panas, se ríe y sigue igualito, bien peinadito para luego, más tarde… volver a casa de los padres.


Pero en la cabeza queda la lírica… y se repite:

“En fila, say my name, recoja el jabón, salto del tigre, patada al foco, el helicóptero, la vuelta al mundo… y no me vayas a llorar porque sabes que esa nota es turra, ya dice que soy el primero, el primero de hoy será, perra! Esas son mis condiciones, para ser felices tenemos que ser uno solo y así gastamos menos, si se quiere casar pídale el vestido de novia prestado a su ñaña, si quiere caleta dígale a mi teclo que nos saque cuarto aparte, si quiere hijos: como eso es grateche cuente conmigo mamacita! y dime no más con confianza cuando tengas hambre… este te voy a dar!”

Si bien es obvio que podría decir 1000 cosas sobre la equidad de género, el enfoque de derechos y demás… prefiero verlo desde la propuesta musical y pienso que Betoman es un personaje de ficción que rueda por la sexta etapa con la boca como metralla para disparar este tipo de frases sin fin. Betoman apunta y una que otra sale lastimada, pero otras se acercan y se toman fotos y lo abrazan y el man disfruta con la misma sonrisa con la que dice “más chiro y me muero”. Betoman al final del día -a su estilo- es un sobreviviente.

Foto: Andrés León


En “Salsa para partirte”, la voz de Geraré suena muy bien. Esta canción es muy completa, con un teclado venenoso que te mueve a bailar. Aquí dejan por un lado lo urbano y se meten a hacer muy buena música, en donde mezclan excelentes melodías, con interesantes armonías de voces y letras que a todos nos sacan una sonrisa. Este tema al final se vuelve Guayaquil… es la banda de barrio que te recuerda de donde viene y te grita “para el mundo con sabor, desde Guayaquil”. El acordeón de Doña Pepa también tiene lo suyo y ella se mueve y mira desde lejos a Geraré y Betoman como quien dice “ay estos manes” y ese cariño se siente en la banda. 

También es divertida la letra. Es una historia de amor bien freak, en donde claramente, el protagonista es realmente un acosador y románticamente –así piensa él- le recita: 

“Mi sol, mírame un ratito y déjate lucir. Da un paso que tiembla la tierra, y otro pa' que el wacho me vuelva a latir.  Aprendí a bailar bonito, y a vestir bien la ocasión, para ganarme un puestito, dentro de tu corazón, y poderte complacer, lo que tu imaginas te lo puedo hacer”.



 Obviamente la cosa no termina bien… pero el man no pierde la oportunidad de decirle:

“Deja de moverte, deja de menearte oye guayaca, que rica tu sandunga. Que mi mujer no espera a caleta, me entra a puñete en media rumba. Todo lo aguanto por ti mamita, me tomo en vaso tu aceite de bacalao porque mi reina tú estás ve, para partirte!”.

Termina la canción y suspiro “ay el amor”.


“Por accidente” me recuerda a la camisa negra de Juanes al inicio, pero Geraré se aleja bastante cuando nos recita:“Por accidente un pez se creía mono, arrechamente se barajó del mar y sin beneficios y sin bono, aparte de ser mono, de cantante fui a parar”.
El tema mueve a la gente, la hace bailar, reír… a la final no tan por accidente.

“Virgencita” es uno de mis temas preferidos. Los Corrientes aquí se acercan más al funk urbano y con interesantes guitarras suena “tan tierna, pero tan tierna, tan inocente, tan dulce primor, tan cerca, tan cerca que me comparte su respiración”. Hay mucho buen gusto en este tema. Curiosamente disfruto mucho más las melodías de Geraré que las de Betoman, pero la canción termina bien, firme y divertida.

Foto: Facebook del artista

“Poniendo esto en aquello”, se me vuelve muy repetitiva, por ahí debe ser que es la séptima canción del disco y ya no me sorprende tanto. Intenta ser el tema más porno de la banda, pero siento que no me propone imágenes más interesantes, guayacas o diferentes de lo que he escuchado. Se queda un poco en lo mismo y pasa un poco desapercibida para mí.

Con la “La dieta del hippie” los vecinos de Urdesa norte se pusieron vegetarianos. Pasó como sorbet, para cambiar de sabor y prepararnos para “De viejito”. 

De Viejito es un tema que me di cuenta que le gusta a mucha gente, es como la balada pop que toda banda siente –a veces- que debe tener. Lo que más me gusta de este tema es lo que hace Doña Pepa con la Melódica. Sopla pura dulzura.

“Impasible” me parece interesante. Hay una construcción rítmica que me resalta, en donde un solo muy kill bill suena lúgubre y vintage, para luego darle paso a Betoman, quien urbanamente le aporta su flow onda Pericos y la canción termina rica con ese grito “Alborada Sexta Etapa”, que me transporta como buen soundtrack, camino a la Rotonda.



“Partirme en dos” me vuelve a despertar. Gran riff, buenos vientos y Geraré canta y me doy cuenta que disfruto mucho más sus armonías que sus letras. Spinetta sobre esto decía que para él la voz era como un instrumento más, que no necesariamente tenía que dejar claro lo que estaba diciendo para aportarle al tema. Uno canta y transmite. Genio. En este caso, gran solo, que flota entre los vientos. Al final Betoman suma una especie de salsa funk. Con original flow va tirando sus métricas mientras Trompeta y Doña Pepa gritan “hey hey hey”. Otro de mis temas favoritos del disco. Se logra algo gigante, de gran propuesta.


Foto: www.ecuadortimes.net

En la última canción, Geraré juega bien con la métrica y siento que en su estilo, Los Corrientes le dedican ciertas líneas a la Ley de Comunicación: “nunca la encontrarás en horario estelar, en medio de la farándula gringa o la nacional, actualizaciones al por mayor siempre la misma alienación, porque la Revolución no llegará a tu monitor”. Esta debe ser el mejor tema en donde Geraré y Betoman se complementan bien y suenan muy sólidos. De paso, cuando Betoman rapea, Doña Pepa suma con muy buen gusto unas melodías desde su acordeón, llevando la canción desde lo urbano al big bang, con lo que desde la segunda estrofa se pone muy retro y rica, con una sazón guayaca, a la que se le suman interesantes vientos y percusiones… mientras Betoman lanza su “en la televisión no encontrarás una respuesta, no comas cuento, despierta y piensa” para finalmente dejarnos un eterno “la revolución es diferente, no llegará a tu monitor, está en tu mente”.

Foto: Blog l Sweet & Coffee

Y los Corrientes cierran con esto uno de los mejores trabajos presentados en los últimos 2 años. “Sexta Etapa” se convierte así en un disco a tener, más que nada porque aporta a esos soundtracks que siempre necesitamos los guayacos para caminar esta ciudad dura, que te aplasta con su calor, su desigualdad… que te aleja muchas veces y te acerca a lo que más nos identifica, que es al fin y al cabo esa forma de decir las cosas. 

Thursday, June 13, 2013

La madurez musical de Ricardo Pita

Foto: Facebook del artista
Por Andrés Emilio León Rodríguez | @lectorurbano


La vida musical de Ricardo Pita empezó temprano. Si no me equivoco, tenía 15 años cuando agarró el micrófono y se paró al frente de una multitud. La banda se llamaba Arcana, y de sus integrantes, resalta Alfredo Jaramillo que luego lideró Satori. 

Recuerdo que los vi en algunos conciertos, en el colegio Jefferson y uno muy divertido en la Universidad Católica, en donde Ricardo le preguntó a la masa si no tenían problema con que él cantara Zombie de los Cranberries.

Luego me lo topé en Buenos Aires, en el lugar donde uno se encontraba con todos los compatriotas: El restaurante ecuatoriano de Freda Montaño. Estaba estudiando música y en parte, sentía que aprovechaba la distancia para consolidar su estilo y libertad, además de escribir parte de su repertorio solista de hoy.

A su regreso, consolidó 2 bandas memorables: Ave y Niñosaurios, siendo esta última -para mí- una de las bandas más importantes e influyentes de la escena guayaca.

Además colaboró como bajista en Mamá Soy Demente y la banda de Héctor Napolitano, para posteriormente soltarse y animarse a grabar su propio material.

Foto: Andrés León

Las Aventuras de ayer, hoy y siempre (2013) es un disco muy divertido, bohemio e interesante. Pita logró flanquear lo que sonaba en su Guayaquil, para no repetirse. Encontró de esta manera un sonido muy característico y propio que hace que su voz suene robusta y segura. De paso hay una mezcla interesante entre furia, relax y melancolía, que nos mete en una marea movida, con mucho viento y frescura.

“La Película” es el primer tema que arranca con esa melancolía rica que se mezcla con cierta rebeldía del autor. Asoman también unos hermosos coros que acompañan a Pita en todo el disco con muy buen gusto y afinación. Esto es algo interesante de Ricardo, siempre afinado, cantando en el tono y con el sentimiento adecuado.

El segundo tema lo confirma. “Ojos de Elefante” es uno de los mejores temas del disco, en donde los coros, la voz del cantante y su divertida guitarra se llevan todo por delante, especialmente en el minuto 2:03 cuando Ricardo reitera al infinito “tal vez sea solo un poco de amor” cerrando con un delicioso falsete, sensible y chiquito, que nos aproxima al final de la canción.




“Canción para el resto de mis días” es otro tema genial que empieza muy cercano a los arreglos que usa Mamá soy demente. Sin embargo, cuando era tan posible meterse en la misma onda, Ricardo sale a flote con una melodía memorable y distinta, mucho más hippie que de costumbre, para dejarse llevar entre los vientos huracanados de los coros y cantar “Ya no hay mal que pueda mal tripearme, hoy, hoy soy solo yo, y el mar y el sol”. Igualmente el cantante suma una letra hermosa, en donde resaltan imágenes como “hoy soy de seda y no queda nada” mientras la influencia de Spinetta se cola en su “ya nadie sabe cómo soy la miel en tu ventana hoy”.





“El Jornalero” es un tema de cantina genialmente ambientado a lo moderno. La voz de Pita suena peligrosa y desafiante. Hay mucha calle en esta canción, en donde resalta su estribillo “todos con la vida van rodando, no saben que hay más que trabajar”. Esta me parece de esas canciones que la escuchas en el disco y pasa sin mucha atención. Sin embargo, cuando la escuchas en vivo es imposible no cantarla, no sumarse a los coros que Ricardo te saca insistente, más aún cuando la melodía va acelerando hasta que dice “y se acabó”. Este tema me recuerda mucho a lo que Kevin Johansen logró con “el Incomprendido”, especialmente en la estructura y la intención.

“El Elemento” es un caso interesante. Apenas me dijeron que estaba número uno en Radio City me sorprendí porque no la había escuchado, ni visto un video promocional. Luego leí un comentario favorable de Israel Maldonado sobre la melodía de la canción, pero cuando la escuché no me emocionó mucho. Finalmente, al verla en vivo, sacudió muchísimo y me sorprendió la forma mordida en que la cantaba Ricardo. Era como una bomba que quiere explotar, pero se aguanta, lanza chispas, amaga un poco y no explota. Me pareció muy interesante el montaje con banda, tiene mucho más rock y esa malicia dulce que se filtra en esa frase que es imposible no cantar: “mira, mira hermano que con el viento, sopla el elemento del tiempo, tiene como ejemplo la humanidad”.





“La negrita grita” es como una gran coma dentro del disco. Separa un antes y un después, alegra, salta y golpea folk. Uno de mis temas preferidos, que resalta por su energía y humildad. Canción perfecta para fogatas o terrazas.




“Cosas que no quiero saber” lo mete a Pita en esta parte desafiante de su música. Se suman vientos bien elaborados, en donde las trompetas de Gabriel Gutiérrez ganan mayor protagonismo en la canción. Ricardo vuelve a cantar con fuerza, locura y soltura sobre su necesidad de que la gente le cuente cosas que no quiere saber y sumen historias que no hablen nada de nada.

“Todos son”, retoma la melodía de Pita. Sensible canta al oído y destaca que todos son su vida, su amor y suerte. Lo más rico de este tema son los coros y los Chelos de Octavio Hidalgo que acompañan paneados, lejanos y delicados, para bajar la emoción y secar la energía.

“Una monedita” refresca todo. Gran historia real de Ricardo, quien en su concierto contaba que una vez estaba tan pero tan chiro, que tenía una pinta no tan agraciada. El parado en la acera y un auto convertible que llega, con un man aniñadísimo, con el cabello repleto de gel, baja la ventana, estira la mano y suelta la frase: flaco… una monedita. Ricardo se mataba de risa y le dice a la audiencia algo tipo “me sentí extraño, pero un dólar siempre suma, así que obviamente no se lo devolví”. El tema suena como soundtrack del momento y uno solo se ríe imaginando la situación. 

Foto: Facebook del artista


“No nos quedamos solos” te llama y canta “abre tu mano, toma mi mano, y ahí nos vamos”. Tema muy íntimo, que no se cansa de invitar a gritar. Coro cercano, de esos que abrazan con saudade y sorprende con la frase final “como no creer en Dios”.

“El árbol y el mar” huele a madera, despeina y resalta por su melodía de amanecer. Ricardo nos cuenta todo el mundo que ve desde una colina, mientras un solo de guitarra interrumpe acústico para arropar el viento.

“Despierta” vuelve a refrescar y llenar todo de colores. Amamos el redoblante que hace sonar Aldo Macchiavello, porque rompe un poco los sonidos de percusión que propone el disco. Excelente melodía, gran cantada, letra muy libre y cálida, destaca este tema como uno de los sencillos y mejores temas del disco. Me hace reír la honestidad de Ricardo Pita, quien románticamente, suelta su “deja que te mantenga, deja que te enamore, deja que te divierta, deja que te ame”.





El disco podría terminar ahí, en la cima… pero Ricardo Pita reserva un tema muy personal para el cierre. “Solo deja fluir” es un tema maduro y personal, en donde vuelven a destacar los coros, chelos, el piano delicado y la guitarra acústica del cantante. Tema redondo, simple. Como bandera que deja claro el mensaje compositor, que levanta el coro como símbolo patrio.


Álbum grabado, mezclado y masterizado por Roberto Chalela en REC LAB. Sin embargo, hay algo interesante de puntualizar. Dos de las canciones más interesantes del disco (Canción para el resto de mis días y Despierta) fueron grabados en el estudio el Ermitaño de Carlos Bohórquez y lo resalto porque me parece que Carlos explotó a la perfección el talento del cantautor. Ambos temas suenan muy sólidos, con mucho color y buen gusto en la producción, lo que me parece importante destacar. Por otro lado, “el Elemento” y “el árbol y el mar”, fueron grabados por Daniel Campos.

A pesar de estos detalles, gran trabajo de Chalela para empaquetar todo dentro de un homogéneo producto musical. En este sentido destaco el trabajo de REC LAB, porque a veces se siente la diferencia cuando un artista graba en varios lugares. En este caso, el trabajo es redondo (también mérito de Pita) el sonido uniforme y la energía del proyecto inspira. 

Definitivamente gran referencia para la gente del Guayas y el Ecuador en general, Ricardo Pita logra posicionar muy bien su estilo y sonido con una madurez importante, tanto en detalles de composición, producción y puesta en escena, además de presentarnos grandes temas que cumplen con el objetivo de volverse un puñado de canciones para el resto de nuestros días. 


Foto: Facebook del artista


Éxitos para Ricardo en su gira por Chile y Argentina.

Wednesday, May 15, 2013

Marley Muerto y su rompecabezas PARARMAR

Foto: Tamia Villavicencio

Por Andrés Emilio León Rodríguez | @lectorurbano


A Daniel Pasquel lo ubicamos por su gran trabajo como integrante en Can Can, en donde siempre ha resaltado por el sonido que propone desde su guitarra.  En esta ocasión le tocó liderar su proyecto como solista, bautizado como Marley Muerto.

Hace meses estaba deseando conseguir su disco, y finalmente lo encontré en la Mediateca de la Alianza Francesa a 8 dólares.  Con un diseño minimalista elaborado por Roger Ycaza, el disco se divide en 3 partes que lo componen: la caja principal blanca, que contiene a su vez un sobre rojo para el disco y un librito blanco con los créditos de las canciones y producción.

En lo musical, el disco abre con una canción con en la que suena la maravillosa voz de Hugo Idrovo, quien nos cuenta entre otras cosas que “estaba pensando afiliarnos a una secta de esas que esperan a un satélite y con sus extraños brebajes abordar ese asteroide”. Suena el bossa y se reparte en el estudio de Ivis Flies, quien produjo, grabó y mezcló el tema. 




El segundo tema es Señor Gobierno, y me recuerda mucho a la propuesta de Mano Negra, pero en este caso, lo que alumbra todo es la participación del Grupo Illiniza quien canta un tema de los Cardenales del éxito en donde principalmente retumba la siguiente frase:

“Gracias le queremos dar Señor Gobierno, por permitir el infierno en que vivimos”


Dorado Salmón Violeta es el tercer tema del disco, que se acerca mucho más a lo que Pasquel ha trabajado en anteriores proyectos, junto a Toño Cepeda (quien también aparece en los créditos), Andrés Benavides (batería) y Frances Possieri (Voz). Con una base más pop, el tema avanza por la carretera del disco hasta llevarnos al cuarto tema.

Fantasma, es para mí el mejor tema del álbum. Con la voz sensible de Da Pawn que te lleva hasta estribillo en el que “grita” el coro de niños del colegio Sek. Me parece que es la mayor propuesta del disco, la canción más distinta, más interesante desde lo musical. De paso la melodía se queda en el cerebro dando vueltas, siendo muy fácil ponerla de nuevo al final.

Tren, fue el primer sencillo del disco, que Daniel grabó en colaboración de SXRS (Colombia). Esto al igual que el tercer tema del disco, me suena muy parecido a Can Can. Sin embargo, es un tema muy bien compuesto, con buenas melodías para dejar en claro que todos deseamos viajar al pasado.



“El antídoto” es muy interesante. Una canción con una armonía muy rica y samples divertidos. Hay una gran participación de Swing Original Monks, Los Chigualeros y la Mala Maña que le dan mucho color y sabor a la música. Es uno de los grandes temas recomendados del disco.

“Todo es” se presenta como el séptimo tema del disco. Mucho más sencillos que los anteriores, es totalmente compuesto, interpretado y programado por Marley Muerto. De esos temas que se sienten, son hechos para pasar el sabor y prepararnos para lo que viene.

“Bossa Lynch” suena y nos ata a la voz de Mariela Condo, una de mis cantantes favoritas del Ecuador. Ivis Flies siempre dice que ella es un tesoro nacional y en esta canción lo reafirma tarareando una melodía muy rica y cercana. Escucho y me siento de repente acariciado por lo que Stan Getz propuso en Jazz Samba, allá por 1962. Aquí se suma Andrés Noboa en la voz y guitarra, además de Jamil Erazo en la flauta y Mariela Espinosa de los Monteros en clarinete. Me quedo pensando que si esta canción hubiera tenido letra, hubiera sido más memorable, pero siento que Marley Muerto quiere que cada persona que escucha el disco, proponga su propia letra, un poco por ahí, como me pasó a mí. 

Foto: Marcelo Echeverría

El noveno tema es “El sol nos cegará de blanca luz”, un ejercicio muy cercano a lo que propone Air en su disco City reading (Tre storie western), en donde Alessandro Baricco leyó fragmentos de su novela City. En este caso destacan fragmentos del poema “Jazmín en flor” del libro “parte del desierto” de Alfonso Espinosa Andrade.
El último tema es Egipto Danza, un tema que sirvió de sountrack para la obra de danza contemporánea “Ansiedad de Trino” de Valeria Andrade.





Masterizado en Salt Mastering (NY), el disco se vuelve un ejercicio muy interesante para quienes buscan sonidos nuevos en su ipod o como colección de los diferentes kits de accesorios para un viaje que cada uno de nosotros tiene reservado, para alejarse y acercarse al mismo tiempo a uno mismo.



Escucha el disco en: http://marleymuerto.bandcamp.com/album/pararmar




Foto: Andrés León

Saturday, January 12, 2013

David Byrne y la afirmación constante: “This must be the place”




  “Talking Heads fue una de las bandas más irónicas y cínicas y psycho-pop y etno-vanguardistas de todos los tiempos, mutando de disco a disco, orbitando desde las luces de la Nueva York yuppie/warholiana hasta las oscuridades rítmicas de cyber-Africa para casi acabar fundando, tal vez sin darse cuenta, los corrales del avanguard-country” 
Rodrigo Fresan


 

Por Andrés Emilio León Rodríguez | @lectorurbano


Siempre imaginé a David Byrne caminando, mirando hacia arriba. Cada vez que escucho las primeras canciones de Talking Heads y voy marcando la composición, lo imagino de nuevo, mirando New York, fijándose en los objetos de las personas, contando los edificios. Siempre he coleccionado ciertas pistas para pensar que tiene un poco de déficit de atención; me parece de esos sensibles que van recopilando lo que pueden para hacerlo saltar en pedazos -con una risa precisa- en un momento justo.

Cuando la banda comenzó a despegar, 1978 también se levantaba con fuerza. The Police tenía algunos éxitos. The Clash seguía muy pegado a las noticias y componiendo fuerte y Stevie Wonder venía consolidando un imperio alternativo de composiciones amorosas bañadas por un altísimo nivel de ejecución.


Talking Heads - Psycho Killer

Michael Jackson ya rondaba la esquina… pero en medio de todo esto, tímidamente las cámaras comenzaron a dar cierto espacio a una banda “nueva” y un poco extraña. Hacían un pop muy contagiante (las melodías de Byrne son casi perfectas en ese sentido) con arreglos interesantes y letras con un mensaje totalmente particular. No eran mensajes abiertos… en estas letras se podía leer la cabeza de alguien diferente, reconstruyendo toda disrupción.

Un ejemplo de esto, es “Dont worry about the Goverment”, en donde Byrne va contándonos su experiencia del crecimiento de la industria de la construcción en su país, poblado de edificios para elegir. Algo que siento a veces, es que mientras varias bandas de la época profundizaban en sus temáticas sobre política, Talking Heads se metía sobre como se sentía la gente en medio de todo el desorden ciudadano, histórico, de una época de avance. La banda enfocó de esta manera su primer disco. Una gran fiesta desordenada llamada “Talking Head:77”.


Talking Heads - Don't Worry About the Government


Luego de idas y venidas de varios nombres, la banda se juntó con el productor Brian Eno, esperando darle más fuerza al sonido y experimentación que querían lograr. El ingles tenía a su favor el gran trabajo desplegado con David Bowie y Roxy Music. Lo mejor de esta unión quedó plasmado en Remain in Light (1980) -del cual destaca la progresiva “Once in a Lifetime”-, influenciado principalmente por el Afro-Beat de la banda Nigeriana Fela Kuti. Byrne quedaría para siempre adicto a la “música del mundo” y desde ahí el concepto de “home” que había abordado en “This must be the place (naive melody)” grabada en el 83, se iría ampliando más allá de cualquier pared o continente.


Talking Heads - This must be the place


La necesidad de experimentación llevó a Byrne y el resto de la banda a jugar mucho en los otros discos. Sin embargo, luego de añadir un corto periodo de silencio, en el 88 nació “Luaka Bop”, sello disquero para promover el World music (que impulsó en USA las carreras de artistas tan diversos como Silvio Rodríguez y los Amigos Invisibles), con el que se dio el lujo de lanzar su primer disco solista llamado “Rei Momo”.

Rei Momo fue toda una revelación -para mi, ¡es una de las propuestas más intrépidas realizadas por un escocés!-. Era una especie de respuesta de Byrne para Graceland de Paul Simon. Sin embargo, acá, el ex integrante de Talking Heads rompía cualquier expectativa al asociarse a los productores Willie Colón, Johnny Pacheco y Andy González (Fania) para comenzar a experimentar con la Salsa, Merengue, Samba y otros ritmos latinos. Inclusive se dio el gusto de invitar y cantar a dúo con Celia Cruz, para lograr “Loco de amor”, una de las mejores canciones del disco. Sin embargo, el hit principal tiene nombre: “Dirty old town”, en donde el compositor vuelve a ver a su ciudad de siempre, pero esta vez se detiene para resaltar los detalles desde otros ojos, matizados por otro sabor: “Well, there are sixteen people in Danny's apartment, sixteen people are living in there”. Siempre bromeo diciendo que Danny debería ser parte de la numerosa banda que acompaña al compositor en vivo… de esa interacción seguramente nació la historia.


David Byrne - Dirty Old Town


Los trombones pueblan los sonidos y el cabello de David se despeina en cada ejecución. Pero a pesar de tanta diversión y aprendizaje (para mi Willie Colón sigue siendo como una especie de Mc Cartney), el hogar siempre agarra nuevos colores. Y con su ejército de ojos diversos se fue a probar nuevas visiones, en donde lo que más destacó fue su trabajo con Marisa Monte, grabando un tema de Antonio Carlos Jobim (Waters of March), o su participación en trabajos interesantes de música electrónica, además de coverear de manera memorable algunos de sus hits de los 80, como lo realizado con “Memories can´t wait” -en donde suma un cuarteto y una corista impresionante-, sobre la cual Moby siempre comentó que era “la mejor canción sobre drogas” que había experimentado.


David Byrne - Memories can't wait


Ahora, Talking Heads forma parte del salón de la fama. Sus integrantes inclusive han participado de trabajos atractivos como es el caso de Chris Frantz y Tina Weymouth, quienes fueron productores de “Rey Azucar” de los Fabulosos Cádillacs, disco que contiene el éxito “Mal bicho”; e integran desde el 2001, la banda “animada" Gorillaz, junto al líder de Blur, Damon Albarn.


David Byrne sigue dando vueltas. Metido en la tecnología, se encarga de componer música para películas y se ha dado tiempo hasta para convertir un edificio en un instrumento musical -mirar-.


Fiel a su estilo que describe en "Road to nowhere", continúa escribiendo, componiendo, actuando, produciendo, viajando, descubriendo y apoyando a artistas diferentes, que de una u otra forma forman parte de los alicientes que lo ayudan a continuar decorando su ideal de hogar, ese que se nutre cada día, de música, con la gente adecuada, la dosis perfecta de sorpresa, abrazos e inmortalidad.


La Portuaria y David Byrne - Hoy no le temo a la muerte

Thursday, January 03, 2013

Las profundidades de Carlos Méndez


Por Andrés Emilio León Rodríguez | @lectorurbano

Coca ingresa al GreenHouse de la Avenida Argentina en Panamá y se acerca lentamente a la mesera del lugar. Le dice “hola vengo por…” y la interrumpen con “ah… usted viene por el disco”. Coca sorprendida insiste “eh… como sabe que vengo por eso” y le responden: me dijeron que vendría.

La mesera se va con una sonrisa, le dice que espere un momento. Entra a la cocina y de ahí, saca el nuevo disco de Carlos Méndez. Coca sorprendida, porque le dicen que el pago es en efectivo (me cuenta que en Panamá todo se cancela con tarjeta de crédito), suelta 20 dólares y ambas se dicen adiós. Coca sale con un sabor divertido del lugar, mira el disco y se ríe pues no le dan factura, ni bolsita… y se lleva el Mar desnudo al automóvil.


El disco me llegó después de 2 días, conservando aún ese olor a cocina, intimidad y frescura. Días antes le había escrito al facebook de Carlos preguntando donde podía conseguirlo, ya que en las tiendas solo se encontraba su primer álbum. Él respondió cálidamente con una dirección y envió abrazos hasta Quito.




Curiosamente, pude escuchar con atención todo el disco en Punta Blanca, playa donde me llevo todos las cosas que quiero disfrutar con atención. Ahí, junto a la brisa comencé a escribir la presente reseña y simplemente pensé que luego de un gran trabajo realizado en “Depie” -donde me destacan canciones como Armonía, Normal y Cronológicamente-, Carlos Méndez regresa ahora con Mar, un disco menos roquero que el anterior, en donde se lo siente mucho más íntimo y cercano a sí mismo, a las cosas que tiene que decir y cómodo con su forma de expresarlo. Por ahí el haber grabado gran parte en Panamá ayudó (la vez pasada viajó a Buenos Aires para grabar con Tweety González), pues se siente y escucha a un ser humano buscando los sonidos dentro para luego plasmarlo en sus letras, en parte como sucede en Napito, el segundo tema del disco que suena muy etéreo:

“Y dentro de mí hay un eterno vacío y es mío,
desde que no estás empecé a cantar y así te sigo.”

Simple es otro tema emocionante que destaca por su melodía y letra reflexiva. La canción va creciendo en cada esquina y me deja una frase muy cerca de la piel:

“Adentro tuyo todo es simple, hay que encontrarse bien
Cuando todo es más tranquilo y normal llega el silencio”


Carlos Méndez - Maqueta de la canción Simple

Mar es la cuarta canción del disco. Y hago una parada especial. El tema tiene una sensibilidad brutal y destaca por su dualidad. Carlos juega mucho con la letra y el tema puede ser “leído” de 2 formas. Una canción abstracta con analogías sobre las profundidades del ser humano y una melodía sencilla cantada a su hija, quien tiene el mismo nombre que la canción y el disco. Me recuerda mucho a lo que me generó en su momento el álbum doble Songs in the Key of Life de Stevie Wonder, en donde a pesar de la presión de la disquera, el gran músico estadounidense insistió que Isn't she lovely arrancara con el llanto de su hija Aisha al nacer. En el caso de Mar (que cierra con la vocecita de la hija de Carlos cantando el coro), la marea sube con la aparición muy sencilla de loops, programación y una melodía delicada de una guitarra que sin ganas de presumir, lanza al agua una serie de anclas musicales que estabilizan el tema.

Me gustan mucho los arreglos de Tweety en teclados, que sutiles, acompañan la voz de Carlos. Aquí hay otro tema interesante: Su forma de cantar. El panameño me destaca porque no lo siento un músico tan enfocado en lo técnico, o académico; es más bien fresco, porque canta como quien decora con música la casa para su hija, alguien quien abre las vísceras y dice “Hoy mis costas se llenan porque ha entrado el agua del mar” o  “y cuando estás riendo la casa se llena de luz, tu madre está pensando que este tiempo queda con nosotros”.



Carlos Méndez - Mar


El artista continúa igual acercando sus profundidades, expresando y afirmando de quien es este tiempo:

“Hoy mi acantilado me trae nuevos tiempos
Y ha pasado el miedo, quedamos viéndote llegar
Y si tú, te caes, te levantaré mil veces”

Al final de la canción uno queda sensible, teniendo muy claro que en este mundo sonoro que se construye, el tiempo y cielo son de Mar.


Dakota es la siguiente canción del disco, divertida, explosiva; perfecta para abrir las ventanas del auto y escucharlo mientras el aire despeina todo, y las ideas vuelan entre el polvo. Es interesante la estructura de este tema, que transcurre de manera progresiva, acerca su letra a Lennon y le rinde tributo casi desde el Strawberry Fields Memorial:

“Crecerás en el suelo, como un árbol que está a punto de nacer
Se abrirán las canciones que golpean al humano tan adentro”.

Ventolina, la 6ta canción es hermosa. Tiene una suavidad que ambienta la emoción de los vendavales: “Y una extraña ventolina golpea sin cesar, nos trae tiempos felices, vientos celestes”. Esta canción siempre la siento como hecha para pasar de sabor. Para preparar el paladar de los oídos y acercarlos al siguiente tema.

Desayuno Chino es una gran historia, en donde Carlos nos cuenta de gran manera en una mañana, reflexiones y sentimientos de un momento. Me parece una de las mejores canciones del disco, por las imágenes que propone y el acompañamiento armonioso. Tiene una melodía imposible de olvidar, muy llena del mar de Panamá y del atrevimiento de calle:

“Mi día se llena repleto de cosas
mi gente te toca, te tengo en mi boca
en mi dirección, en mi anatomía
en mi alma desnuda de noche y de día

Sin miedo, con tiempo
sin mi awebazón de andar desbocado
mirando a la luna, pendiente, naciente, creciente
siempre resistente de lo que te pueda pasar

Ojalá no te haga falta nada
Yo veo en tu mirada”

Carlos Méndez - Desayuno Chino - Ensayo

El siguiente tema es uno de los preferidos desde el sentido musical. Los teclados de Tweety le suman un sonido muy rico y por momentos las guitarras dejan de ser lo que más destaca para que unos dedos rítmicos guíen todo. Carlos insiste y nos dice que se quedará viendo todo, esta vez. Tiempos modernos muy bien expresados, él solo observa y lo resume: “Tanta gente corriendo todos de repente, salir, entrar, ganar, perder, sufrir, hablar de más, ay, estos son tiempos jodidos”.


Por otro lado, “los entierros” es un gran cover del hit salsero compuesto por Tite Curet Alonso e interpretado por Cheo Feliciano allá por el 79. En este caso, con un jazz subterráneo, rinde tributo a un histórico tema panameño, vuelve a las raíces y propone.

Pasos, el último tema del disco, fue compuesta por Ignacio Méndez. Aquí la familia se junta y le suma algo delicado para cuando baja la marea.


Para el final dejo al primer tema del disco. No necesariamente porque me parezca el mejor (sin embargo pienso que es notable), sino porque fue la canción que me acercó a este nuevo álbum. Con un video muy fiel al artista -dirigido por Ana Endara Mislov-, Carlos se sube a un taxi y observa como un Nocturno vigilante, lo que pasa en su ciudad.

“Hay un edificio platinado cambiando el panorama de lo que antes había aquí
flores en el mar, gente buena, quitando la condena de este mundo que sin ti
hoy nos mira, me ven seguir…”


 Carlos Méndez - Nocturno vigilante - video oficial


Debo destacar del disco su afinado arte, principalmente liderado e ilustrado por Ignacio y Nina Méndez. También resalto la fotografía Raphael Salazar y Jose Castrellón. Este gran álbum producido por Tweety González y masterizado por Daniel Ovie, fue grabado en Panamá en PTY Studios, excepto uno de los temas grabado en Insomnio Studios, más la grabación y voces en Buenos Aires en Tornasolado Estudio - El Pie, entre julio y septiembre de 2011.




Me pasa algo similar con lo que mencioné sobre Jorge Drexler al inicio de la década pasada. Para mí, Carlos Méndez es el músico a seguir. Lo que está haciendo es maravilloso, delicado, transparente y honesto, algo muy profundo que va creciendo de a poco.



Monday, October 15, 2012

9 ingredientes para un gran Caldo de Cultivo



Por Andrés Emilio León Rodríguez


Todo comienza con el rasgado de la guitarra… agudo, afilado, que se mete a cuchilladas en el oído de una trompeta que agoniza lentamente, paneada a la derecha.

Luego, el empuje de las cuerdas medias de la guitarra de Luis Rueda que terminan en un riff poderoso, descarado, que se turna entre las cuerdas gruesas del bajo de Dandabass (Daniel Rodríguez) y las caricias al esterbil de Juan José Ponce para luego reventar. El trombón del Ruso acompañan el riff, Dandabass con la mano abierta dándole una paliza al bajo con las yemas y todo arriba, fuerte pero afinado.

Así arranca el nuevo disco de Luis Rueda & el Feroz Tren Expreso. Así estalla “Crimen exquisito”. Como lo hacía Rubén Blades en algunas canciones: ambientando.

Pasados los 2:30 minutos, comienza una persecución musical, la banda corriendo entre los redobles de Juan José, y una melodía jugosa del bajo que podríamos definir como el solo de la canción que se escurre y escapa de los tomos agudos de Luis jugando con la distorsión.

Un punto a destacar, es la siempre interesante combinación de melodías que fusiona la sesión rítmica entre Dandabass y Juan José. Un bajo que cuida mucho los sonidos y la creatividad, junto a una batería que le da gran protagonismo al “China” en cada uno de sus redobles.

La voz de Luis se presenta fuerte, añeja, libre, al igual que sus letras. Más maduro, jugando con imágenes, conceptos e ironía.

La letra es más paisajista. Pero muestra un ambiente oscuro, lleno de veredas sucias, cielo nublado y ropa sin planchar. Ahí va Luis diciéndonos con voz clara:

“Ronca ronca el frío pavimento
me envenena este negro sentimiento
la alegría la arranco de mis días
y me la inyecto soñando en tu agonía
Pero con el cóctel frío, lo normal es tan normal,
quiero llevar la noche hacía delante
quiero llevar la noche hacía delante
quiero llevar la noche hacía delante
y bañarme en sangre de vigilante”

Lo siento a Luis interesado en impactar, en causar una saturación de emociones, para que la gente despierte. Lo veo cantándole a una generación pasiva, predecible… y esta canción, es su forma de dejar en shock a una audiencia que debe tener los sentidos bien afilados, para recibir este disco y beberlo con atención.

La "burbuja", donde se preparó el caldo

Luego de 2 segundos de silencio. Aparece una guitarra tranquila y hasta con cierta pereza. Es el inicio de La Brecha, que en la entrada, tiene el trombón perezoso del Ruso Sasha (Alexander Folkistein) filtrándose como agua de cañería rota… suave, estirándose como gato recién despierto. Juano que refresca con la tocada rítmica y Dandabass que le pone las tildes golpeando las cuerdas medias del bajo, mientras Luis canta en sepia, observando:

"El miedo envuelve y nos empuja a todos
a intentar ser sostenidos de algún modo
a buscar barrer de culpas la conciencia.
Y el cuento va en aumento, un dogma acecha
de tu inocencia come y se aprovecha.

Para ser sometidos y anulados,
al capricho de rebaños humanos
intentando el vacío que llevamos… rellenar.
La historia se repite y se complica
pensar por ti mismo Dios ni lo permita
de sospecha es la cosecha
si al blanco nunca fue a parar la flecha"

La guitarra de Luis tiene una armonía muy estimulante en el coro y junto a la letra se edifican trenzas de dudas sobre lo que creemos, sobre –como dice Lucho- “la necesidad de abarcar directa y racionalmente el tema de la fe ciega en las instituciones, en las religiones, en las tradiciones, en los gobiernos y en toda forma de dogma”.
Mención especial para el trabajo de cierre de la banda. El Ruso suspira igualmente, como desganado y sin fe para que llegue el fin de la mejor canción del disco.

La banda planificando la grabación

Luego, pequeños fantasmas de Queen of the Stone Age saltan entre los acordes y arranca “1000 veces 1”, donde la banda trabaja una plataforma musical para que Luis cante. Esta canción es como un pretexto de Lucho para escribir…

“Te digo Hola, hola, no te interesa que mueva tus piolas, con tal de ser parte de la bola… la que avanza y progresa la que reza ¿porqué todo el mundo reza? Al fin de cuentas todo súper bien, en el trabajo todo súper bien… ¿ya conseguiste un ascenso sin importar el nervio tenso de ni por una puta vez poder gritar “así lo pienso”? Y te acomodas feliz a una manada y muerdes siempre la dulce carnada de ser un buen tipo, pegado al esquema, mientras tus ideas las castra el sistema o dime... ¿acaso fuiste lo que querías ser?, ¿acaso viste lo que querías ver? si aceptas la cornada, tu suerte está echada y tus pasos no abran significado nada”.

Luis tiene razón: “nada es mejor que ser siempre tú” y lo canta con la certeza de que nada te garantiza nada… aún siendo lo que querías ser.



“La mala reputación” ha sido la canción más promocionada del disco. Difícil no “seguirle el paso” desde el inicio a este cover de Georges Brassens. Excelente vientos, buenos coros… esta canción pasó por varios intentos de mezcla, hasta que finalmente Robert Serlinn de “Mute”, logró el sonido crudo que la banda quería.

“El Regalo”, tuvo un interesante aporte de Pedro Ortiz Jr en los coros. Paneado a la izquierda, el buen muchacho se desestresa al pié del micrófono, canta con los ojos cerrados y se imagina por unos minutos un rock star. Otro excelente cover del Feroz Tren Expreso, rescatando una canción que la Trifullka grabó en el 2000 para integrar el recordado “Efecto Placebo” (gran disco colmado de pasión, sin embargo con poco éxito comercial… que difícil debe ser superar el impacto anterior de un “mucha rabia”). Me parece que este es el mejor ejemplo de cómo una gran banda puede resucitar una canción hasta llevarla a ser memorable e inmortal. Eso, es lo interesante de un caldo de cultivo.


Mientras uno se toma el tiempo para recordar, y las fotos poblan el cerebro… es inevitable entrar en una atmósfera lenta. Las inspiraciones… las reflexiones, tantas cosas pueden haber movido a la banda a siluetear la -desde ya- famosa “Motorcillo Irracional”. Eriza desde el inicio en que te va llevando de la suavidad más noble, la honestidad más dulce… a estrellarte contra la negativa de poder evitar el no ser radical. 1:54… y el grito de Luis quemando los bajos del parlante, saturando los fantasmas; prendiendo el motorcillo de histeria y coraje emocional. 4:44… y el grito sigue ahora chocando contra los trombones y el solo de Luis que saca sangre clavándose entre los tímpanos que adornan el corazón.
Cuanta vibración inunda esta canción. Cuesta no emocionarse: “Porque si palpita no claudica, si duele es porque te grita, este corazón tan irracional.”


Luego viene el intermedio… o al menos el mío. Fue inevitable no cambiar el swicht para seguir con el disco. Un vaso de agua para hidratar tanta pérdida de masa delirante y acorralar –luego de toser un poco- con el “Loas al señor, loas a la virgen, loas en rock&roll, en salsa y reggaetón”. Y ya… Luis se va de largo con su visión de lo que nos habló un poco en “La Brecha”. Esa fe ciega en las instituciones. O lo que nos dice en “La mala reputación” sobre “vivir fuera del rebaño”. Al fin y al cabo, cada uno tiene su propia fe.

En algún ensayo interminable en la Burbuja -lugar donde se terminó grabando el disco- ,Luis me comentó su idea del video. Se imaginaba entrando a la Iglesia de “Pare de sufrir”, con cámaras, acompañado de personas exaltadas, llorando… como loco, despeinado, luchando contra los demonios… corriendo al altar, entregándose al pastor, para que supuestamente le aspire todo.
Al final de la canción Luis termina gritando “dejen en paz la música del diablo”. Algo que en su momento y estilo, supieron exponer Mick Jagger y Mijaíl Bulgákov.

"Loas" termina con un fragmento del audio de este video: http://www.youtube.com/watch?v=SF6NrQuup80, en donde un niño muy especial, predica algo que no se pueden perder.


“Qué bueno es contar contigo cada mañana” es lo que se me queda en la boca luego de escuchar “Puertas de oro”. Toda una melodía Lado B. La siento como una canción de otro disco, como invasiva en esta atmósfera. Sin embargo, casi siempre estas suelen ser las canciones que luego se vuelven más interesantes, especialmente cuando uno escuchó el disco unas 3000 veces.

Robert, Juano y Dandabass

Caldo de Cultivo cierra con “Esqueletos”. Lo mejor son las líneas trazadas por el bajo -que forman en cada puck- la columna vertebral del tema. Tantas cosas que uno tiene guardado… “el futuro es temporal, el tiempo nos mastica, nos corroe, complica y debilita”. Y el ser humano que se oxida (el daño de los años, nos escupirá extraños) hasta caer en espiral.

El cierre desde el minuto 3, muestra a la banda lista para terminar un clásico. Madura y precisa, se turnan los solos hasta cerrar en un leve eco que prepara el terreno para que Luis termine cantando el verbo "empezar".

Luego de eso, se escuchan los autos pasando por el malecón -de Guayaquil- que se cierran como si fuera el telón del mejor teatro. Adentro... el caldo de cultivo impacta, golpea y despierta un hambre distinto, ese que solo se llena con gloria y eternidad.

Remoja el caldo y escucha el menú en: www.myspace.com/luisruedaelferoztrenexpreso

Información nutricional:
Luego de que la banda se pusiera de acuerdo y a Robert Serlinn le gustara el proyecto, este llevó su equipo de grabación al eterno lugar de ensayo de la banda -ubicado frente al rió Guayas- para capturar el sonido original y energía que emanaba el caldo de cultivo. Varios esfuerzos técnicos se llevaron a cabo para potenciar el sonido de la "Burbuja", que en 4 meses quedó fotografiado musicalmente.

Después vino un periodo especial para los integrantes de la banda... proyectos personales, hijos en proceso y una "industria" difícil que no considera mayormente a los músicos independientes, hicieron que la mezcla y masterizada del caldo quedara en stand by por un tiempo.

Sin embargo para beneficio de todos los seguidores de las propuestas interesantes, Sergio Vivar agarró el proyecto a inicio de este año y terminó de ponerle la sazón final para considerar listo, el presente disco... para mí uno de los más estimulantes de la escena guayaca actual.